Pintura de los siglos XIX-XX, Sala 3

En el último cuarto del siglo XIX, la pintura rusa cambió su enfoque hacia la representación de la luz. No se trataba de la luz artificial de una lámpara o la luz que filtraba a través de la ventana de un estudio, sino de la luz natural vibrante y siempre cambiante.
Es interesante recordar los retratos de los miembros de la familia de Ilya Repin (1844-1930). Sin las restricciones de los retratos por encargo al retratar a sus parientes (en el jardín o junto a una ventana abierta), Ilya Repin, al igual que los impresionistas, crea imágenes vívidas. Estas obras presentan pinceladas amplias que producen un efecto de luz centelleante, colores contrastantes que realzan el brillo, sombras coloreadas y generalizaciones que transmiten una impresión instantánea (en lugar de un proceso de observación prolongada). El artista parece capturar un momento fugaz lleno de luz solar, éxtasis y alegría. Una de estas obras es "Retrato de una dama" de Ilya Repin, exhibida en la segunda galería de la exposición Pintura de los siglos XIX-XX. El maestro (y posteriormente el espectador) parece haber encontrado accidentalmente a una chica pensativa en el jardín. Ella no posa – está inmersa en la luz solar y sus pensamientos, aparentemente inconsciente de nuestra presencia.
La luz natural se convierte en el principal "protagonista" en las obras de las salas de pintura tercera y cuarta. La colección de pinturas exhibida nos permite rastrear la diversidad de enfoques sobre el problema de la representación de la luz en paisajes y bodegones por los maestros de la Academia de Artes en el último cuarto del siglo XIX y principios del siglo XX.
Las obras de Iosif Krachkovsky (1854-1914) se exhiben en la segunda y tercera galerías. Krachkovsky es conocido como un pintor de paisajes, medallista de la Academia de Artes y participante en la Sociedad de Exposiciones de Arte Itinerante. Sus obras "Borjom" (1898, segunda galería de la exposición Pintura de los siglos XIX-XX) y "Paisaje montañoso" (1902, en esta sala) están bañadas en luz. El artista elige un punto de vista donde nada obstruye la luz: brilla en los acantilados, las hojas de los árboles y las ondulaciones del agua. En los bodegones de esta sala, corrientes de luz inundan los ramos en cestas, difuminando los contornos específicos y realzando el brillo y el color. Estos bodegones probablemente fueron pintados en una tienda de flores, con los ramos preparados para la venta. Así, nos convertimos en testigos accidentales de la extraordinaria belleza de la naturaleza en la vida cotidiana, en lugar de una configuración de estudio.
Un enfoque similar es evidente en las obras de Yuli Klever (1850-1924). Su paisaje "Ambrosovichi" (en la segunda galería) muestra un camino bañado por el sol de otoño a lo largo de cabañas inclinadas, con sombras coloridas y variaciones de tonos verdes, amarillos y naranjas. El tema del camino también se plasma en su paisaje "Isla rocosa" (en esta galería), donde la luz está atenuada por la neblina de San Petersburgo. En el paisaje "En el bosque salvaje" en la cuarta galería, la habilidad excepcional de Klever como colorista es evidente: los diversos matices sutiles de marrón, amarillo y verde permiten al artista crear una imagen de espesura, desierto y luz oculta por densas ramas, cayendo sobre troncos de árboles y nieve derretida en las raíces. El juego de la luz tiene un lugar especial en "Bodegón con flores": los pétalos cálidos rosados proyectan sombras frías, y las flores lilas y azules frías proyectan sombras cálidas – en esta alternancia de colores y luces y sombras, el espectador se pregunta sobre el color real de este ramo – ¿quizás es blanco? Nuevamente, nos presentan no una configuración, sino flores cortadas olvidadas casualmente. La cuarta galería de la exposición Pintura de los siglos XIX-XX presenta un bodegón de Yuly Klever Junior, graduado de la Academia de Artes de Múnich. Sus bodegones también juegan un papel importante en la interacción del color y la luz, pero son notablemente diferentes de las obras de Yuly Klever Senior. El estilo de pintura es significativamente diferente: los colores son más apagados y más fragmentados. Sus obras son menos naturalistas, inclinándose hacia una mayor decoratividad. En sus obras, la firma de Yuly Klever Junior generalmente incluye "hijo."
El efecto de la luz centelleante se logra a través de la técnica de pinceladas separadas: los artistas no intentan suavizar las transiciones entre colores, sino que las enfatizan, a menudo dejando las pinceladas texturadas y sobresalientes. Sin embargo, la pincelada separada puede variar significativamente entre diferentes maestros: el movimiento del pincel puede ser libre, amplio o, por el contrario, delgado, meticulosamente filigrana. Por ejemplo, en las obras de Ivan Pokhitonov (1850-1923), se pueden ver finas pinceladas separadas (el maestro trabajaba con una lupa), que a una corta distancia de la pintura son indistinguibles: se fusionan en un paisaje unificado bañado en luz solar.
Un efecto notable de transición desde las profundidades sombrías del bosque hasta el claro iluminado por el sol se logra con una virtuosa pincelada separada fina en el estudio de Isaac Levitan (1860-1900). En la cuarta sala, también se puede ver su estudio sobre cartón "Crepúsculo sobre el río". Las salas primera y cuarta de la pintura rusa presentan estudios "El río estepa Olshanka," "Otoño" y "Mástil del telégrafo" de Vasily Polenov (1844-1927). En los estudios de estos maestros destacados, se puede discernir la base de su visión imaginativa del paisaje: acentos visuales, esquema de color generalizado y trabajo de luz y sombra oculto detrás de la multitud de detalles en las obras de estudio completadas.
La primera sala de pintura rusa presenta un paisaje de Arkhip Kuindzhi – un gran maestro que desarrolló el problema de la luz en la pintura. La base rítmica del trabajo en este caso son los tallos de las flores: pinceladas verticales de varios tonos de verde, contrastadas con pinceladas horizontales azules y de azur que representan el mar. Entre este orden yuxtapuesto de pinceladas verticales y horizontales, brotan manchas de flores amarillas, causando reflejos dorados (reflexos) en las flores blancas. Las flores blancas están teñidas de verde en las partes sombrías del trabajo. Tal variedad de colores, sombras coloreadas y reflexos permiten crear el efecto de un paisaje iluminado por el sol.
Los estudios son bocetos de la naturaleza en los que los artistas no buscan lograr una cierta completitud de la imagen. A menudo, es en ellos donde se puede ver la inmediatez de la percepción y la transmisión artística de la imagen, la generalización y la espontaneidad (que recuerda al impresionismo francés).