Arte soviético

La exposición de Arte Soviético se basa en una amplia capa de la historia de las bellas artes de la URSS, que en un momento fue bastante contradictoria, pero muestra éxitos artísticos, una riqueza de búsquedas y la aparición de los poderes creativos del pueblo.
Las disputas creativas en varios géneros y orientaciones dieron forma al arte a lo largo del siglo XX.
El concepto central era la ilustración masiva o el despertar espiritual. Esto está relacionado con un anhelo por las tradiciones del realismo democrático del siglo XIX, que se manifestó con mayor claridad en las décadas de 1920 y 1930. Para los artistas se volvió vital no solo retratar situaciones de la vida, sino también comprender las conmociones psicológicas en diferentes estratos sociales, la necesidad de refractar la poesía y la filosofía del tiempo en imágenes, y la capacidad de perpetuar las tradiciones de la cultura formal. La búsqueda del ideal es el concepto estético principal a lo largo de este tiempo, y el propósito central en el arte es el deseo de la pureza de la imagen creativa, de la claridad clásica y de una actitud poética.
La galería presenta obras de artistas de numerosos grupos artísticos, incluidos Petr Geller, Grigory Bobrovsky, Leonid Turzhansky, Sergey Gerasimov, Zinaida Serebryakova, Nikolay Tarkhov y Vasily Baksheev. Su trabajo se refiere a un momento crucial en la historia del arte ruso, el cambio de la crisis de la pintura prerrevolucionaria a la posrevolucionaria. Dado que sus trayectorias creativas comenzaron antes de octubre de 1917, estos pintores han desempeñado un papel significativo en la composición de las pinturas del período. Ellos, junto con muchos otros, fueron responsables de introducir tradiciones culturales estéticas avanzadas en el arte soviético.
Hubo una tendencia que surgió en la pintura soviética de la década de 1930: los artistas (sin descuidar la trama) prestaron gran atención a las características pictóricas y plásticas de la imagen, su entorno y el mundo natural y objetivo. Petr Konchalovsky, un sezannista, es un ejemplo de este tipo de artista. Su trabajo combina hábilmente dos tendencias: un deseo voraz de transmitir el entorno circundante en toda su riqueza brillante y una propensión a confinar la imagen del mundo objetivo a características ornamentales y plásticas. Las pinturas de bodegones de Konchalovsky están cargadas de combinaciones de colores resonantes; el artista da a sus ramos de lilas una frescura y magnificencia increíbles.
Los paisajes urbanos y bodegones de Alexey Pochtenny, creados durante este período, son igualmente impresionantes. El legado creativo del artista es amplio y diversificado, y las obras presentadas en la galería reflejan claramente el potencial creativo del pintor, sus capacidades técnicas y competencia estética.
En 1932, comenzó un punto de inflexión importante en la cultura artística cuando todas las asociaciones creativas fueron disueltas. El estado estableció la "Unión de Artistas de la URSS" a través de un decreto especial, marcando el comienzo del desarrollo del realismo social en la pintura soviética.
Durante el período de la guerra, el mundo del arte estuvo dominado por bocetos militares creados por artistas que lucharon en las líneas del frente. La transferencia de estos bocetos del campo de batalla al mundo del arte habla de la profunda conexión que los artistas sentían por su país y su deseo de documentar sus experiencias y emociones.
El período de posguerra en el arte vio una reconsideración de los eventos como una prueba tanto moral como física. El enfoque volvió a la pintura, con temas cotidianos representados en colores brillantes, luz y alegría. Obras notables de esta época incluyen "Estudio" de Alexandr Samokhvalov, "Reunión" de Alexandr Laktionov y pinturas de Vladimir Serov dedicadas al pueblo de Uzbekistán. La pintura de paisajes también vio un crecimiento y evolución significativos durante este período, con artistas como Georgy Pimenov y Yuri Tulin capturando la conexión entre el hombre y la naturaleza y el sentido de paz que surgió.
El movimiento de pintura soviética también dio una creciente importancia a la creatividad de los artistas de varias repúblicas. Martiros Sariyan hizo una contribución significativa a la formación de la Escuela Nacional de Pintura Soviética Armenia, trabajando en el campo del paisaje en la década de 1920. Sus obras son conocidas por su decoratividad afirmativa de la vida, capturando las cualidades únicas de la naturaleza armenia con sinceridad y amor. Una de sus obras más memorables es "Palomas en los techos".
Otro estilo prominente durante este tiempo fue el retrato ceremonial oficial y realista, que tenía como objetivo capturar a los individuos en su vida diaria. Estas obras representaban a personas comunes en el trabajo, así como a figuras históricas de épocas anteriores. Artistas como Vladimir Malagis y Mikhail Rudakov de una colección privada son conocidos por su enfoque ideológicamente repensado del género del retrato.
La ilustración de libros en el período soviético fue una forma de arte única y original que combinó las obras de artistas que empujaron los límites de los métodos artísticos tradicionales. La década de 1950 vio la plena realización del potencial de este género. Uno de los representantes no convencionales de este período fue Yury Vasnetsov. A pesar del desafiante clima ideológico, el artista pudo alejarse del formalismo y abrazar una imagen folclórica popular. La obra de Vasnetsov se caracteriza por una revitalización de las tradiciones del primitivismo, convirtiéndolo en una figura destacada en la ilustración de libros soviéticos.
Hacia finales de la década de 1950, surgió una nueva dirección en el arte conocida como la variedad del realismo socialista. Este movimiento tenía como objetivo presentar la realidad sin ningún embellecimiento ni romanticismo, con una imagen artística más concisa y generalizada. Este "estilo áspero" fue un paso significativo hacia la democratización de la sociedad. Sin embargo, algunos artistas se desviaron de la pintura temática y se dirigieron hacia el paisaje, el retrato y el bodegón. Uno de esos artistas fue Porfiry Krylov, quien, además de trabajar en caricaturas y dibujos animados como parte de la asociación creativa "Kukryniksy", también creó impresionantes paisajes, bodegones y retratos. Su obra "Paisaje invernal" exhibida en la exposición destaca por sus formas precisas y la capacidad de crear una imagen artística que transmite la belleza del paisaje invernal. El motivo es simple y los colores son naturales, dando a la pintura una calidad ilusoria sorprendente, sin llegar a convertirse en mera imitación.
El bodegón "Naturaleza muerta" de Rumyantseva es un ejemplo notable de su estilo único en la pintura de bodegones. Sus obras muestran su creciente inclinación hacia un enfoque decorativo, con un enfoque en el uso de colores vivos y la representación precisa de la textura y la materialidad. La pintura muestra sus habilidades artísticas, destacando su capacidad para crear una imagen que es tanto estéticamente agradable como tangible.
En el ámbito del retrato, la obra de Yury Tulin de 1964 es un testimonio de la evolución del género. El estilo de Tulin muestra un mayor énfasis en la pictoricidad y el color decorativo, una simplificación de los detalles y un mayor sentido de unidad en la representación de sus sujetos.
En paralelo, también existe un método artístico de realismo social. Un buen ejemplo es la pintura "Celebración del Día de la Marina" de Nikolay Rutkovsky.
En la década de 1960, los pintores de varios grupos artísticos continuaron su trabajo, incluidos aquellos que habían cambiado temporalmente a otras actividades para avanzar en sus carreras. Un ejemplo de esto es Vsevolod Sulimo-Samuilo, quien después de la resolución del Partido Comunista sobre la reestructuración de las asociaciones literarias y artísticas en 1932, encontró su vocación en el diseño. Mostró su talento en el diseño de productos soviéticos, señales y exteriores, carteles de circo y teatro e ilustraciones de libros. Una de sus últimas obras gráficas se exhibe en la sala de exposiciones, mostrando no solo su destreza creativa sino también una parte significativa de la historia de la ciudad.
También durante este período, comienza a manifestarse la libertad de búsqueda de puntos de referencia artísticos. Los maestros volvieron a los logros pasados del arte de vanguardia y dominaron los estilos y técnicas de Europa Occidental de esa época. Pero en diciembre de 1962, la situación cambió drásticamente, después de una devastadora exposición en el Manege. El campo artístico se divide en aquellos que están dispuestos a comprometerse y quienes se van al subsuelo, al underground artístico, más tarde llamado no conformismo o "segundo vanguardismo". El representante de este círculo de artistas es Anatoly Zverev, cuyas obras se encuentran en una colección privada y se exhiben en la galería. Su trabajo absorbió las lecciones de Jackson Pollock, el tachismo y el expresionismo. Las notas de las memorias de contemporáneos describen claramente el método artístico y el pensamiento del autor: " Mirando sus obras, es difícil imaginar que las creó en cuestión de minutos, utilizando no solo pinceles tradicionales, sino también todo lo que tenía a mano: remolacha, escoba, zapato o cepillo de dientes, queso cottage, agua de acuarelas Se utilizaban papel, cartón, lienzo, trapos y trozos de madera. Podía dibujar con pinturas, pasta de dientes y colillas de cigarrillos. Era como si no hubiera barreras para él".
La persecución del arte no oficial continúa, pero en 1974 se intentó nuevamente lograr el reconocimiento oficial, que, por voluntad de las circunstancias, no tuvo éxito: una "exposición de bulldozer". Muchos artistas se escondieron de la persecución yéndose al extranjero. Algunos de ellos fueron completamente prohibidos en la URSS, pero al mismo tiempo, son populares y reconocidos en el extranjero. Uno de estos artistas es Marc Chagall, cuya litografía se exhibe en la sala. Su estilo artístico iba en contra de las ideas del realismo socialista. Las obras de Chagall fueron prohibidas en museos y libros. Pero ya en las décadas de 1960 y 1970, llegó el momento del reconocimiento generalizado de Chagall y la consolidación de su alta autoridad en la historia del proceso artístico mundial. La obra de Chagall se vuelve especialmente multifacética, enriquecida con nuevos temas e ideas, tipos de arte y tecnología. "Está durmiendo. Se despierta de repente. Empieza a dibujar. Toma una vaca y dibuja una vaca. La iglesia toma y dibuja con ella", escribió el poeta francés Blaise Cedrard sobre Chagall.
En cuanto al arte oficial, el realismo socialista todavía triunfa en la pintura, con principios bien establecidos, la proporción de temas y géneros. No es difícil ver esto si se familiariza con los lienzos expresivos de Evsey Moiseenko. Su trabajo combina un dibujo preciso y cincelado y una modelación tonal de la forma en una manera pictórica libre. El lienzo "Ventana en Sochi" muestra al espectador la intimidad en la que se puede rastrear la poesía, la libertad y la espontaneidad del gran mundo con su belleza y tragedia. Otro representante de la escuela de pintura de Leningrado es Yaroslav Krestovsky, uno de los miembros del grupo "Once". Su brillante y característica manera se manifestó a fines de la década de 1950 y mediados de la de 1970. Las obras del autor se caracterizan por una mirada aguda, a veces implacable, del método artístico, es un maestro de yuxtaposiciones contrastantes que dan al imagen el significado de un símbolo. Las hojas gráficas presentadas en la sala demuestran la originalidad de la manera creativa del artista.
En general, la década de 1970 fue una época de gran diversidad artística y experimentación, con artistas alejándose de los estrictos cánones del realismo socialista y explorando sus propios estilos individuales. El arte de este período se caracteriza por la falta de un estilo dominante y un mayor énfasis en la libertad artística y la expresión. Sin embargo, en la década de 1980, la escena artística se volvió más diversa e influenciada por tendencias internacionales en el posmodernismo, lo que resultó en una mezcla más ecléctica de estilos y técnicas.