Советское искусство

На протяжении всего XX века искусство претерпевало влияние творческих конфликтов в разных жанрах и направлениях. Основной идеей стало просвещение масс, их духовное пробуждение. Этим обусловлено стремление к традициям русского демократического реализма XIX века, наиболее ярко проявившееся в 1920-х – 1930-х гг. Для мастеров стала важна не только фиксация жизненных ситуаций, но и осмысление психологических сдвигов в разных общественных слоях, стремление преломить в пластических образах поэзию и философию времени, умение сохранить традиции формальной культуры. Главным  эстетическим принципом в этот период становится стремление к идеальному, а центральным мотивом в  искусстве – стремление к целостности художественного образа, к классической ясности и поэтичности мироощущения.

В экспозиции зала представлены произведения таких художников, как Пётр Геллер, Григорий Бобровский, Леонид Туржанский, Герасимов Сергей, Зинаида Серебрякова, Николай Тархов, Василий Бакшеев – представителей разных художественных объединений. Их творчество затрагивает переломный момент в истории изобразительного искусства на территории России и переходу к преодолению кризиса живописи предреволюционной поры. Велико значение этих художников в сложении советской живописи, так как их творческий путь начинался до октября 1917 года. Именно они и многие другие внесли в советское искусство традиции передовой художественной культуры.

В советской живописи 1930-х годов прокладывает себе путь линия, где художник, не пренебрегая рассказом, большое внимание уделяет живописно-пластической характеристике образа, его окружения, природного и предметного мира. К такого рода художникам относится П. П. Кончаловский – последователь сезанизма. В  его творчестве умело сочетаются: жадное стремление передать окружающее во всей силе его красочного богатства и тенденция ограничить изображение предметного мира декоративно-пластической характеристикой. Натюрморты Кончаловского наполнены звонкими сочетаниями насыщенных красок,  художник сообщает удивительную свежесть и пышность своим букетам сирени.

Не менее примечательны городские пейзажи и натюрморты Алексея Почтенного этого периода. Творческое наследие автора обширно и многообразно, а представленные в экспозиции работы наглядно демонстрируют творческий потенциал, технические возможности и художественное мастерство живописца.

Но в 1932 году наступает очередной поворотный период в истории художественной культуры СССР - все творческие товарищества распускают. По регламенту специального Постановления государства был сформирован «Союз художников СССР». Именно это время принято считать началом развитие в живописи СССР социального реализма.

Изобразительное искусство СССР военного периода отмечено в основном военными зарисовками с фронта, так как большинство художников ушло на передовые. В передаче таких работ выражалось совсем искреннее отношение художника, высота нравственной патетики.

Послевоенная тематика является неким переосмыслением событий, как нравственного и физического испытания. Образы созидательного труда уверенно возвращаются в живопись. Полотна бытового жанра наполняются яркими красками, светом и жизнерадостностью. Великолепным примером могут служить работы из коллекции: этюд Александра Самохвалова,  живописное полотно «Встреча» Александра Лактионова, работы Владимира Серова, посвящённые труду людей Узбекской ССР. Также в этот период активно развивается и претерпевает изменения пейзажная живопись. В нём возрождается жизнь края, вновь укрепляется связь между человеком и природой, появляется ощущение умиротворённости. Такой атмосферой пронизаны работы Юрия (Георгия) Пименова и Юрия Тулина, представленные в экспозиции зала.  По мере развития советской живописи все большее значение приобретает творчество художников самых различных республик. Значительный вклад в формирование жанра и становление национальной школы армянской советской живописи сделало творчество М.С. Сарьяна. Уже в 1920-х годах художник плодотворно работает в области пейзажа. Яркая декоративность его полотен передает особенности природы Армении. Полотна Сарьяна полны жизнеутверждения, искренней любви к тому, что преображает привычный ландшафт. Такой атмосферой пронизано произведение «Голуби на крыше».

Ещё одним главенствующим стилем в это время становятся парадные официозные и реалистические портреты, которым характерна передача индивидуального, это в основном изображения представителей обычных профессий, людей, запечатлённых в момент их повседневной деятельности. Есть и работы, передающие исторический колорит представителей предыдущих эпох. Произведения Владимира Малагиса и Михаила Рудакова из частного собрания наиболее полно отображают идеологически переосмысленное представление о жанре.

Книжная иллюстрация советского периода  - это глубоко индивидуальное и оригинальное художественное целостное явление, в котором объединено творчество мастеров, прошедших долгий путь изменений художественного метода, который по-настоящему раскрылся в 1950-х годах. Одним из наиболее самобытных представителей этого жанра является Ю.А. Васнецов, чьи живописные работы украшают зал советского искусства. Стиль автора складывался под натиском идеологических обстоятельств, но художнику удалость выстоять и уйти от формализма к лубочному фольклорному изображению.

В конце 1950-х годов формируется новое художественное направление, так называемая разновидность соцреализма. Главной целью мастеров этого периода стало отображение действительности без тени украшательств, декорирования и романтизма. Произведения становятся более лаконичными, художественный образ обобщается. "Суровый стиль" был определённым шагом к демократизации общества. Но некоторые мастера в противоположность тематической картине, обращаются к пейзажу, портрету и натюрморту. Одним из таких художников является Порфирий Крылов, который в свою очередь помимо работы над шаржами и карикатурами в творческом объединении «Кукрыниксы» также плодотворно создавал пейзажи, натюрморты и портреты. Представленный в экспозиции «Зимний пейзаж» отличает точность форм, умение создавать художественный образ, передавать зрителю свое чувство «прекрасного» и удивительного. Мотив незамысловатый, колорит естественный, что придает всей живописи Крылова удивительный иллюзионизм, при этом его искусство никогда не впадает в натуралистическое подражание. 

В жанре натюрморта стоит отметить «Натюрморт с бутылью и рыбой» Капитолины Румянцевой. Её живописная манера развивалась в сторону большей декоративности, локальности цвета, передаче фактуры и её материальной осязаемости.

Что же касается портретной живописи, то произведение Юрия Тулина 1964 года полностью отражает развитие жанра, его усиления живописности в трактовке образа и декоративности колорита, освобождения от излишних подробностей и достижения большей целостности восприятия.

Параллельно существует и художественный метод соцреализма. Наглядным примером является живописное полотно «Празднование дня военно-морского флота» руки Николая Рутковского. 

В 1960-е года продолжают работать художники разных художественных объединений, в том числе мастера, отказавшиеся в своё время от творческих изысканий и выбравшие для себя несколько иную деятельность в угоду своей профессии и возможности развиваться в ней. Такова участь Сулимо-Самуйлло В.А., который после постановления Политбюро ЦК ВКП (б) «О перестройке литературно-художественных объединений» (1932 г.) выбрал для себя оформительскую сферу, где его талант реализовался в разработке дизайна продукции, выпускаемой советскими фабриками и заводами, вывесок и экстерьеров магазинов и павильонов, цирковых и театральных афишах, книжных иллюстрациях. Одна из поздних графических работ автора украшает зал экспозиции и иллюстрирует зрителю не только творческий потенциал мастера, но и значительный срез городской истории.

Также в этот период начинает проявляться свобода поисков художественных ориентиров. Мастера вновь обращались к прошлым достижениям отечественного искусства – авангарда и осваивали европейские стили и методики этого времени. Но в декабре 1962 года ситуация резко меняется, после разгромной выставки в Манеже. Художественное поле разделяется на тех, кто готов на компромиссы и кто уходит в подполье, в художественный андеграунд, впоследствии его будут называть нонкомформизмом или «вторым авангардом».  Представителем этого круга художников является Зверев А.Т., чьи работы находятся в частной коллекции и выставлены в зале. Его творчество впитало в себя уроки Джексона Поллока, ташизма и экспрессионизма. А записи из воспоминаний современников наглядно описывают художественный метод и мышление автора: «…Глядя на его работы, трудно представить, что он создавал их за считанные минуты, пуская в ход не только традиционные кисти-краски, но и все, что под руку попадется, – свеклу, веник, сапожную или зубную щетку, творог, воду из-под акварельных красок…В дело шли бумага, картон, холст, тряпки, деревяшки. Он мог рисовать и красками, и зубной пастой, и окурками. Для него как бы не было преград….».

Гонения на неофициальное искусство продолжаются, но в 1974 году была предпринята очередная попытка добиться официального признания, которая по воле обстоятельств не увенчалась успехом – «бульдозерная выставка». Многие художники скрывались от притеснений, уезжая за границу. А некоторые из них и вовсе были запрещены в СССР, но при этом популярны и признаны за рубежом. Одним из таких художников является Марк Шагал, чья литография экспонируется в зале. Его художественный стиль шёл вразрез с представлениями о социалистическом реализме. Произведения Шагала были запрещены в музеях и книгах. Но уже в 1960-1970-х годах приходит время повсеместного признания Шагала и закрепления его высокого авторитета в истории мирового художественного процесса. Творчество Шагала становится особенно многоликим, обогащенным новыми темами и идеями, видами искусства и техники.«Он спит. Просыпается вдруг. Рисовать начинает. Корову берет – и коровой рисует. Церковь берет – и ею рисует», - писал о Шагале французский поэт Блез Седрар.

Что же касается официального искусства, то в живописи торжествует по-прежнему соцреализм, с устоявшимися принципами, соотношением тем и жанров. В этом нетрудно убедиться, если познакомиться с экспрессивными полотнами Е. Е. Моисеенко. В его творчестве сочетаются точный, чеканный рисунок и тоновое моделирование формы со свободной живописной манерой. Полотно из экспозиции зала «Окно в Сочи» демонстрирует зрителю камерность, в которой прослеживается поэтичность, свобода и непосредственность большого мира с его красотой и трагичностью. Другим представителем ленинградской школы живописи является Ярослав Крестовский – один из участников группы «Одиннадцать». Его яркая характерная манера проявилась в конце 1950-х – середине 1970-х годов. Работам автора свойственен острый, порой беспощадный взгляд на художественный метод, это мастер контрастных сопоставлений, придающих изображению значение символа. Графические листы, представленные в зале, наглядно демонстрируют самобытность творческой манеры художника.

В целом эпоха 1970-х годов характеризуется отсутствием единого стиля, жёстких канонов, когда понимание образно-выразительных средств отлично от видения художников предыдущих лет. Это время когда даже «официальные» художники стали работать в своей индивидуальной живописной манере. Искусство этого периода можно охарактеризовать как искусство полистилистическое, но к 1980-м годам оно уже не имеет столь выраженных стилистических особенностей и продолжает либо традиции предыдущего десятилетия, либо пытается подстроиться под интернациональный контекст постмодернизма.